Die Besonderheit dieser Oper ist nicht allein ihr neues, experimentelles Genre, dass sich zwischen Oper, Schauspiel, Konzert und Musical bewegt, sondern dass die Bandmitglieder sowohl an der Komposition der Stücke beteiligt sind, auf der Bühne ihre Instrumente spielen und zusätzlich Figuren des Märchens verkörpern. Das bedeutet in erster Linie eine Herausforderung des Regisseurs: Er muss immer wieder phantasievolle »Lösungen für die Bühne« aufbieten, was Schwab selbst als »etwas hoffmannesk« bezeichnet.

Die Detailtreue und Textnähe der Aufführung lassen sich ebenfalls im »besten Sinne des Wortes« als hoffmannesk bezeichnen. Zentrale Aspekte des Märchens, wie die darin enthaltene Aufklärungskritik, aber auch typisch Hoffmannsches werden zum tragenden Element der Inszenierung, insbesondere sein Faible für komisch-groteske Figuren. Humor ist während der Aufführung allgegenwärtig und Schwabs Credo, Hoffmann »in seiner Fantasie ernst zu nehmen« und das Märchen als einen »leicht hingeworfenen Scherz« zu präsentieren, wie es der Autor einst selbst sagte, kommen umfassend zur Geltung.

Dass der »Dichterfürst« E.T.A. Hoffmann Schwab bei seiner dramatischen Umsetzung seines Prosa-Märchens durchgehend begleitet, zeigt sich direkt zu Beginn der Oper, wenn Hoffmann selbst die Bühne betritt. Die innere Zerrissenheit des Autors, die sich in seinem Œuvre immer wieder im Doppelgängermotiv manifestiert, findet auch auf der Bühne ihren Platz: Hoffmann, gemimt von Rüdiger Frank, startet die Opern-Maschinerie zu Beginn und zerstört sie am Ende.

Regisseur Sebastian Schwab glaubt, Hoffmann hätte an dieser modernen »Umsetzung der Geschichte Spaß gehabt: Beginn und Ende von einem großen klassischen Orchester gestaltet zu hören und dazwischen die Rocksongs der Coppelianer, die die Charaktere der handelnden Figuren in ihrem Witz, ihrer Melancholie oder auch Ironie in Musik und Spiel so gut zu treffen verstehen.«